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Chroniques, Cycle Faire & Défaire

Retour sur une présentation / projection : « One, Two, Three, Viva l’Algérie » – Réflexions sur un film « en train de se faire »

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Ce mardi 4 décembre 2018, dans la pénombre de la salle AZ.1.101 du campus du Solbosch, nous avons eu l’occasion de découvrir le travail de Samuel Ab sur son film « One, Two, Three, Viva l’Algérie »,encore en montage, réalisé en co-production entre un collectif parisien et une co-prod en Algérie. La séance était l’opportunité de plonger dans les enjeux complexes sous-jacents au montage du cinéma documentaire tels que la narration, la construction de personnages, l’écriture de la voix off ou le positionnement du réalisateur face à son sujet… des enjeux qui font écho à la démarche de l’anthropologue.

Pour ouvrir la séance, Samuel est revenu sur la genèse de son projet. Ce dernier débute il y 8 ans, dans le cadre de ses études à la fac et motivé par des origines familiales et des connaissances algériennes qui lui ont donné l’envie de découvrir ce pays dont il ne connaît que peu de choses en tant que Français. Durant un an et demi, le projet mûrit et Samuel prend la décision de retourner filmer au moment de la coupe du monde. En raison de problèmes de visas qui parviennent tardivement, il commence par filmer en France et ne filme que la fin de la coupe en Algérie. A la suite de quelques essais de montage personnels, le film devient une collaboration avec Amine, un monteur algérien. À partir d’un premier montage, des personnages sont réécris et ajoutés au film d’abord conçu sans la partie en cinéma direct avec personnages. Lors de la coupe du monde de 2018, Samuel retourne filmer en Algérie ainsi que la fin de la coupe en France.

Guidé en partie par une curiosité vis-à-vis du slogan « One, Two, Three, Viva l’Algérie », le propos du film est d’aborder au travers du jeu un portrait contemporain du pays et d’interroger son rapport avec la France. L’angle d’approche, par le foot, se veut une manière de traiter le sujet sans s’engager dans une documentation proprement historique ; néanmoins, la forme collective suscitée par le foot est l’opportunité d’évoquer des valeurs et des histoires. La volatilité du rapport à celui-ci et à son équipe est utilisée pour parler du rapport aux deux pays. Le choix est également motivé par l’affection de Samuel pour ses grands événements où les gens se côtoient et qui donnent lieu à des moments de communion, quelle que soit la passion pour le sport. Pourquoi ses héros ? Pourquoi ses symboles ? Pourquoi cela fonctionne ? Samuel explique que ces questions, qui ont guidé ses premières images en 2010, reviennent progressivement dans le film après quelques détours.

Dans la suite de la présentation et dans la discussion qui suit, différents enjeux sont mis en évidence.

Une première difficulté du montage réside dans l’articulation des différents types d’images dont les provenances sont variées – images tournées par Samuel et Amine, mais aussi des images issues de documents historiques ou empruntées sur des plateformes telles que Youtube – et deux régimes de narration : des séquences où le montage articule de telles images et un « cinéma direct » plus spontané comme les séquences présentant des moments de vie mêlés d’interviews. Prises en France autant qu’en Algérie, la façon de passer d’un pays à l’autre est aussi interrogée, mais pour le réalisateur, les images s’exposent dans une logique qui n’est pas nécessairement géographique.

Une autre difficulté concerne la voix off dont nous avions déjà évoqué plusieurs enjeux l’année dernière dans le cadre du cycle de projection. Si son rôle dans la nécessité de donner sens au contenu est souvent discuté, il se pose également la question de son identité. Dans le projet de Samuel, la voix off est d’abord imaginée en collaboration avec un slamer puis comme une voix féminine pour devenir finalement sa propre voix : l’enjeu est alors de créer un personnage narrateur, sans que celui-ci ne soit présent pour raconter sa vie, mais dont l’identité restitue pourtant le chemin et le positionnement du réalisateur auquel le projet a fait découvrir l’Algérie. Ce positionnement qui ne va pas de soi. Samuel est français et son entreprise pose d’emblée des questions de légitimité. Son rapport aux pays évolue aussi depuis son premier voyage en 2010 où il découvre le pays. Le film est un apprentissage et son regard porté sur l’Algérie devient en retour aussi un regard porté sur la France.

Absents au début du projet, des personnages sont introduits tardivement. En plus du personnage de Samuel qui émerge progressivement au travers de la voix off, cinq personnages ont été choisis. Ces personnages ont pour point commun d’avoir un rapport avec le foot tout en ayant un pied en dehors. Samuel évoque aussi la construction du « personnage collectif » (spectateurs face aux matchs où lors des célébrations) dans le cadre du montage.

En conclusion de sa présentation, écourtée pour laisser place à la discussion, Samuel compare le montage du film avec la sculpture : d’une première forme grossière, la forme finale est affinée progressivement. D’autres questions se posent, notamment celle du public visé par le film. Samuel aimerait projeter son film en France ainsi qu’en Algérie. L’enjeu est alors de construire quelque chose qui puisse être compréhensible et puisse faire sens dans les deux pays. Le problème est spécialement difficile pour la séquence durant laquelle Samuel et Amine insèrent des images issues de documents historiques. Ces images et ces événements, biens connus en Algérie, ne sont pas connus ni enseignés en France.

La dernière réflexion sur le public ciblé par le film est aussi l’occasion de revenir sur les questions d’intentions. Comment trouver ce qui est essentiel au film ? A qui ou à quoi donner plus d’importance ? Qu’est-ce qui pourra intéresser le public au-delà des deux réalisateurs ? Motivées par l’envie de partir pour découvrir, de filmer et de raconter quelques histoires, les questions de la démarche et du public viennent en cours de route, engendrées par un mûrissement progressif du projet, mais aussi par d’autres impératifs : la nécessité de finaliser un projet qui s’étale déjà sur 8 ans, de faire voir les images et de rapporter un peu d’argent.

Dans la discussion, c’est l’occasion pour Madeleine de revenir sur les enseignements de son master en sociologie visuelle. Le propos naît du montage et la problématique se construit 3X : avant de filmer, une fois qu’on se retrouve avec autre chose devant les yeux que ce qui était prévu, et ensuite pendant le montage lorsqu’on se rend compte des impératifs liés au public, de la nécessité d’introduire des personnages, etc. Pour Madeleine, les extraits montrés par Samuel révèlent encore beaucoup d’intentions. Elle rapproche cela de son travail de thèse. Dans un tel travail, comme dans la conception d’un documentaire, il faut faire simple alors que la réalité, elle, est compliquée.

La présentation de Samuel est plus largement l’occasion de saisir une nouvelle fois les parallèles entre la démarche de recherche en sciences sociales et celle du cinéma documentaire. La construction d’un objet de recherche, de personnages, la construction progressive de la problématique, la collecte d’un matériel qui déborde de toute part, la simplification des faits et la place occupée par le·la réalisateur·trice – chercheur·euse font partie intégrante des enjeux tant du montage cinématographique ou que de la rédaction du travail scientifique. Des points d’attache pour « faire et défaire » des pratiques de créations communes ?

Actualités, Cycle Faire & Défaire

Faire et Défaire #7 : Projection du documentaire “Les forêts sombres”, en présence du réalisateur Stéphane Breton

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Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection « Faire et Défaire » mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

 

La septième et dernière séance du cycle de projection se tiendra le mercredi 27 juin, de 18h à 20h à la salle AZ1 101. On aura le plaisir de visionner le dernier documentaire du célèbre réalisateur français Séphane Breton, Les forêts sombres, sélectionné et promu à l’occasion du renommé festival du Cinéma du réel (Paris, 2015).

Synopsis:

Au bout de la route, il y a un chemin, le dernier, un chemin envahi par la boue sibérienne en automne, et au bout de ce chemin, une immense forêt obscure protégeant pudiquement ceux qui ont gagné leur dernier refuge auprès d’elle, dans des hameaux qui s’effilochent tous les jours et que rongent le malheur et l’alcool. Il faut aller le plus loin possible, être prêt à tomber dans le fossé, pour voir ce qui fait de nous des hommes.

 

Le réalisateur: 

Stéphane Breton est un cinéaste et anthropologue de l’EHESS qui s’est démarqué suite à son premier film, “Eux et moi”, réalisé sur son terrain en Nouvelle Guinée, en 2001, et devenu un classique incontournable du cinéma socio-anthropologique. Depuis, le réalisateur a multiplié ses productions visuelles, prenant petit à petit de l’autonomie vis-à-vis du monde scientifique et de la liberté dans sa démarche créative.

L’entrée est libre

Bande d’annonce: https://vimeo.com/ondemand/lesforetssombres/143894528

A bientôt !

Chroniques, Rencontres

Retours sur la conférence du photographe et anthropologue Christian Vium

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Parce que les blagues plus courtes sont les meilleures, AHA vous propose un bref feedback d’un de nos derniers événements. C’est moi, Madeleine, qui prend la plume, que j’ai voulu légère.

Alors voilà.

Le 14 mai 2018, l’anthropologue et photographe Christian Vium nous a fait l’honneur de se déplacer à Bruxelles, depuis l’Université d’Aarhus, pour un exposé organisé dans le cadre du cycle de conférence en anthropologie du LAMC.

Hé bon, c’était super.

Avec Noémie Marcus, on avait regardé son travail sur son site (christianvium.com), et on avait plein de questions.

On se demandait quelle valeur était accordée à l’esthétique au moment de produire une narration visuelle sur le réel et est-ce que cette démarche était avouée dès le départ. Parce que, qu’est-ce que le beau ? La recherche d’esthétique faisait-elle disparaître certains aspects de la réalité sociale (plus facilement conceptualisable par écrit), où permettait-elle au contraire d’ouvrir des registres de connaissances alternatifs sur nos terrains (émotionnel et politique, par exemple).

Malgré la volonté de Christian Vium de déconstruire l’imaginaire photographique empreint de colonialisme, on craignait les glissades sur la pente de l’exotisation, conséquences de la réification esthétique d’une personne par son portrait. Après tout, ne parle-t-on pas de « cliché » ? Une image arrêtée, fixe et soumise au dispositif photographique qui, dans une démarche anthropologique, rappelle les biais allochroniques et fixistes, passant à côté de l’aspect dynamique et mouvant de la réalité sociale.

Bon, et puis, il y avait aussi la relation du photographe avec les gens qu’il rencontrait. Comment il négociait sa place et, surtout, son appareil photo. Il devait bien exister des contextes où la photo était une pratique plus naturelle (parce qu’associée au journalisme ou au tourisme, par exemple) et d’autres où, au contraire, la photo était plus délicate.

On n’est pas restées sur notre faim.

Christian Vium a anticipé chacune de nos questions en s’attachant à nous démontrer l’intérêt heuristique de sa pratique photographique sur le terrain. Sa série « Encounters », impliquant images d’archives, photos de familles des gens qu’il rencontrait, et ses propres shootings a permis de mettre en évidence qu’un projet photo, c’est finalement un prétexte à interpellation comme un autre, un catalyseur, qui délie les langues, mais pas que.

 © Cristian Vium

Placé dans une perspective diachronique, les séries de photos qui ont été présentées rendent incontournable la question coloniale. Par sa démarche collaborative (laissant le choix aux personnes finalement photographiées de décider de leurs poses, de leurs mises en scène ou des scènes quotidiennes qu’elles souhaitent immortaliser), le photographe et anthropologue déconstruit l’idée de passivité et de soumission des individus face au dispositif photographique. Il insiste sur leur agency, leur appropriation de l’histoire et du média, les jeux narcissiques, les interdits tacites et, par l’usage du portrait filmé, dévoile les coulisses de l’acte de photographier.

Tout ce processus, dont l’intérêt permet de se créer de la légitimité et de désamorcer les critiques vis-à-vis du potentiel déséquilibre utilitariste de la relation photographe/photographié, demeure toutefois invisible à la vue de la photo seule et passera toutefois par l’écrit ou la parole, nécessitant donc un accompagnement des photos pour que l’aspect collaboratif soit explicite. Avec beaucoup de lucidité, Christian Vium a fait preuve d’une analyse réflexive surprenante à cet égard, concédant ainsi les limites conceptuelles du visuel dans une démarche socio-anthropologique.

Cette réflexivité l’a d’ailleurs amené à questionner sa place d’homme blanc et l’asymétrie que provoque l’appareil photo et la situation d’entretien sur le terrain, ce qui outrepasse évidemment le cadre précis de la démarche photographique, renvoyant ainsi à des questionnements plus généraux sur la légitimité et la place des anthropologues en des terrains (post-)coloniaux.

Quant à l’esthétique, on conçoit aisément comment des questions éthiques (d’anonymat notamment) et pratiques ont influencé certains choix de flou et de noir et blanc pour sa série « The departed », sur le voyage entrepris par des migrants d’Afrique de l’ouest en route vers l’Europe et ce, sans compter l’aspect émotionnel (angoisse, drame) et narratif (le mouvement, la transformation personnelle). Il était toutefois intéressant de discuter comment Christian Vium s’est retrouvé piégé dans une certaine forme esthétique, supposée servir le fond, dans la quête de distinction face à la déferlante journalistique et comment l’accusation de subjectivité artistique soulève la question de la sémantique photographique. Après tout, une photo est-elle plus objective si elle est « réaliste » ?

© Cristian Vium

Parmi tant d’autres sujets abordés, on retiendra également l’importance de l’édition, de l’agencement des photos et de la mise en place des expositions, qui jouent un rôle crucial dans la narration et le sens que les images prennent. Au contraire des publications scientifiques, les productions visuelles sont par ailleurs plus enclines à la diffusion à un plus large public, suscitant ainsi des discussions et débats susceptibles de faire resurgir de nombreux questionnements épistémologiques et méthodologiques propres aux sciences sociales.

Car, si la photographie propose un regard sur le réel différent par rapport à l’approche socio-anthropologique classique, avec ses limites, ses obstacles et ses plus-values, elle permet malgré tout, par les points de convergence où ces deux démarches se rencontrent, d’interroger de manière originale les bases sur lesquelles repose l’analyse du monde social.

Christian Vium cherchait une liberté narrative difficilement concédée dans les revues scientifiques classiques, osant passer le pas du surréalisme, particulièrement appréciable dans l’édition et l’exposition de sa série « Ville nomade ». Il embrasse ainsi le lâcher prise vis-à-vis de l’interprétation de ses photos par le public, renonce au pouvoir argumentatif de l’écrit, pour se concentrer sur le plaisir procuré par le laisser-aller créatif et la reconnaissance de la plasticité potentielle de nos terrains d’étude.

© Cristian Vium

Finalement, avec l’AHA, c’est tout ça qu’on recherche. Expérimenter, prendre du plaisir, s’ouvrir des portes et des fenêtres et affronter les courants d’air. Attention, le petit oiseau va sortir.

Cycle Faire & Défaire

Faire et Défaire #6 : Burning Out, par Jérôme le Maire

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Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection « Faire et Défaire » mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

La sixième séance du cycle de projection se tiendra le mardi 29 mai, de 18h à 20h à la salle NB2VIS. On aura le plaisir de visionner le documentaire du célèbre réalisateur belge Jérôme le Maire, Burning Out, sélectionné et promu à l’occasion de multiples festivals tels que le festivals de Docville (2017), l’IDFA Compétition (2016), Visions du Réel (2017), Millenium (2017), et bien d’autres.

Synopsis:

Pendant 2 ans, le réalisateur belge Jérôme le Maire a suivi les membres de l’unité chirurgicale dans l’un des plus grands hôpitaux de Paris. Ce bloc opératoire ultraperformant fonctionne à flux tendu : 14 salles en ligne ayant pour objectif de pratiquer chacune huit à dix interventions par jour. L’organisation du travail, bien qu’extrêmement sophistiquée, est devenue pathogène. Le personnel médical et paramédical courbe l’échine. Stress chronique, burn-out, et risques psychosociaux gangrènent l’hôpital. Chirurgiens, anesthésistes, infirmiers et aides soignants, mais aussi cadres, gestionnaires, et directeurs sont pris dans une course effrénée qui semble sans fin. Consciente de ce problème, l’administration a commandé un audit sur l’organisation du travail afin de tenter de désamorcer le début d’incendie. « BURNING OUT » est une plongée au cœur du travail et de ses excès, quand il y a surchauffe et que l’embrasement menace. Il veut comprendre l’incendie contemporain, ce trouble miroir de notre société, qui affecte celle-ci jusque dans ses hôpitaux.

L’entrée est libre

Bande d’annonce: http://www.burning-out-film.com/?lang=fr

A bientôt !

Actualités, Cycle Faire & Défaire

Faire et défaire #4: Noi

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Faire et Défaire, le Cycle de Projection de Cinéma Socio-anthropologique.

Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection “Faire et Défaire” mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

La troisième séance du cycle de projection se tiendra le jeudi 19 avril, de 18h à 20h à la salle NB2VIS. On aura le plaisir de visionner le documentaire court-métrage d’Aline Magrez, Noi, sélectionné et promu à l’occasion de divers festival tels que l’Internationale Kurzfilmtage en 2016, le BSFF en 2017, le Festivalil International de film NexT en 2017 et L’IndieLisboa en 2017.

Synopsis: Une traversée d’Hanoï, qui s’achève à la tombée de la nuit. Dans des rues étroites défilent les visages des passants et des travailleurs, l’innocence des enfants, et les machines grondantes.

L’entrée est libre

Plus d’info:

http://www.fide.festivaldoc.com/2017-films/noi/

https://aha.hypotheses.org

Relais d'infos

“Cartes sur table”: Cartes mentales filmées

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Nous vous conseillons le visionnage du petit documentaire “Cartes sur table”: http://fenetresurclignancourt.fr/portfolio/carte-sur-table/

Utilisant le principe de la carte mentale comme approche et portrait du quartier de la Porte de Clignacourt et de ses habitants. Cette initiative permet de poser la question de ce dispositif en situation d’entretien et, qui plus est, en entretien filmé. Une belle initiative de l’association la Sierra Prod.

Résumé:

La Porte de Clignancourt. Je m’interroge sur l’identité des lieux, sur ses limites, où elle commence, où elle s’arrête. « Cartes sur table » est une rencontre avec Isis, Kamafi, Moussa et Xavier. Ils habitent là ou ils y passent simplement. Chacun raconte la Porte à sa manière, la reconstruit. Les mains tracent des lignes sur une feuille blanche, les voix commentent et des fragments de parcours de vie se dessinent.

Relais d'infos

“Le film comme lieu des possibles?” (EHESS – Filmer le champ social)

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EHESS : Séminaire Filmer le champ social :

“Le film comme lieu des possibles?” Cinéma documentaire et pratiques réflexives en sciences sociales

Daniel Friedmann, Monique Peyrière,

3e mercredi du mois de 15 h à 18 h (salle 8, 105 bd Raspail 75006 Paris), du 15 novembre 2017 au 20 juin 2018

Le niveau requis est celui du master pour les étudiants qui souhaitent valider  les 6 ECTS. Les auditeurs libres sont acceptés quel que soit le niveau. Le séminaire est ouvert à chacun intéréssé par le cinéma documentaire dans sa relation aux sciences sociales.

« Comment te débrouilles-tu avec la vie » ? Telle était la question autrefois posée par Flaherty à Nanook dans les années 20, reprise en 1960 sur le tournage du film de Jean Rouch et Edgar Morin Chronique d’un été. Bien connus des chercheurs en sciences sociales, ces films pointent ce vers quoi le séminaire  souhaite inscrire ses réflexions sur le contemporain : le film comme une proposition capable d’accueillir, de décrire, de critiquer, de réfléchir l’espace commun de nos manières de vivre.

Le film exhibe ce que le texte sociologique tend à refouler, le visage et le corps du sujet pensant. Pour Gilles Deleuze « Ce qui fait partie du film c’est de s’intéresser aux gens plus qu’au film, aux « problèmes humains » plus qu’aux « problèmes de mise en scène », pour que les gens ne passent pas du côté de la caméra sans que la caméra ne soit passée du côté des gens ». Un nombre croissant de cinéastes, d’artistes procèdent ainsi au sein de collectifs qui décident d’agir en immersion dans des territoires. Est-ce une nécessité de se rapprocher d’un réel démantelé et fracturé, de trouver une manière de s’y inscrire ? Comment se pensent aujourd’hui ces gestes d’engagement ? De quelles critiques du vivre le film peut-il se révéler l’enjeu ? Comment se négocient les temporalités du récit « avec » les filmés ? Que cherche t-on, ensemble ?

Au cours de l’année 2017-2018, le séminaire invitera ces cinéastes et filmés pour lesquels « faire du cinéma » dans des environnements conflictuels c’est parfois faire le choix de ce que Deleuze nomme « la fonction fabulatrice des pauvres » : attention portée au faux, aux doubles et aux métamorphoses pour laisser le récit (ad)venir dans la vie.

Le séminaire est associé à une initiative étudiante : le ciné-club PSL-Filmer le champ social, qui organise des cinés-débats au cinéma Le Champo (75005) le 3e lundi du mois, à 20 h, en présence des cinéastes documentaristes : https://fcs.hypotheses.org/

Lectures

14 Propositions pour une sociologie visuelle et filmique

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La Sociologie visuelle regroupe actuellement les sociologues qui utilisent dans leurs recherches les images fixes ou animées existantes. Tout en associant ces sociologues, le Réseau Thématique de l’association française de sociologie “Sociologie Visuelle et Filmique” a pour objectif de réunir les sociologues qui réalisent ou qui participent à la réalisation des documentaires sociologiques.

Ensemble, ils et elles proposent un MANIFESTE comprenant 14 propositions pour une sociologie visuelle et filmique

Les propositions suivantes résultent d’un travail de confrontation entre spécialistes des sciences humaines et cinéastes. Ce Manifeste pour une sociologie visuelle et filmique a pour objectif d’associer la démarche du sociologue proprement dite à celle du documentariste.

Ce champ relève à la fois du prolongement d’une démarche qui a existé dans les années 1950-1970 et de sa renaissance ou de sa re-création ; reconnaître le caractère cumulatif de la démarche participe d’ailleurs de son développement.

La sociologie qui s’est construite dans la confrontation avec les autres disciplines comme une activité scientifique a créé les méthodologies d’une approche qui la légitime dans le champ des connaissances. Relire le processus de production scientifique de l’écrit nous permet de mieux comprendre ce qui peut générer le processus de production scientifique sociologique par l’image et le son.

Longtemps négligée ou non posée comme essentielle, dans le développement d’une production abstraite, la perception visuelle et sonore a retrouvé chez nombre de sociologues son droit de cité. En effet, celle-ci participe pleinement de la construction de l’objet, moment fort de la problématisation qui repose sur la mobilisation de l’appareil conceptuel s’articulant au travail de terrain. Cet ensemble fonde le background du sociologue, ce par quoi il a été initié, ce par quoi il se distingue et qui participe du processus de production d’une représentation du réel. Les écrits sociologiques qui en découlent sont à leur tour réinterprétés à l’aune des savoirs et des perceptions du lecteur.

Penser le processus de production scientifique dans le documentaire sociologique relève d’une démarche similaire. Les couples réalité/perception sensorielle, construction de l’objet/travail de terrain, appareil conceptuel/enquête préalable sont aussi mobilisés par ce même background du sociologue documentariste. Mais la captation sensorielle acquiert ici un autre statut, la vue et l’ouïe y sont visibles et audibles à travers l’image et le son et participent pleinement de la construction de la représentation du réel. Le cadrage, le choix des séquences, le hors champ, le son, les mouvements de caméra, le rythme, le choix des temporalités qui s’opèrent dans la prise de vue et le montage rendent compte explicitement du point de vue, tandis que la diffusion du documentaire à l’écran le confronte à la réception et au background du spectateur.

Ce manifeste loin de vouloir normer ce champ a pour objectif de favoriser les débats et les réflexions pour que soit reconnue l’écriture visuelle et filmique de la sociologie.

Pour lire ledit manifeste: cliquez ici !