Archives de catégorie : Chroniques

Petits récits de nos activités.

Chroniques, Cycle Faire & Défaire

Retour sur une présentation / projection : « One, Two, Three, Viva l’Algérie » – Réflexions sur un film « en train de se faire »

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Ce mardi 4 décembre 2018, dans la pénombre de la salle AZ.1.101 du campus du Solbosch, nous avons eu l’occasion de découvrir le travail de Samuel Ab sur son film « One, Two, Three, Viva l’Algérie »,encore en montage, réalisé en co-production entre un collectif parisien et une co-prod en Algérie. La séance était l’opportunité de plonger dans les enjeux complexes sous-jacents au montage du cinéma documentaire tels que la narration, la construction de personnages, l’écriture de la voix off ou le positionnement du réalisateur face à son sujet… des enjeux qui font écho à la démarche de l’anthropologue.

Pour ouvrir la séance, Samuel est revenu sur la genèse de son projet. Ce dernier débute il y 8 ans, dans le cadre de ses études à la fac et motivé par des origines familiales et des connaissances algériennes qui lui ont donné l’envie de découvrir ce pays dont il ne connaît que peu de choses en tant que Français. Durant un an et demi, le projet mûrit et Samuel prend la décision de retourner filmer au moment de la coupe du monde. En raison de problèmes de visas qui parviennent tardivement, il commence par filmer en France et ne filme que la fin de la coupe en Algérie. A la suite de quelques essais de montage personnels, le film devient une collaboration avec Amine, un monteur algérien. À partir d’un premier montage, des personnages sont réécris et ajoutés au film d’abord conçu sans la partie en cinéma direct avec personnages. Lors de la coupe du monde de 2018, Samuel retourne filmer en Algérie ainsi que la fin de la coupe en France.

Guidé en partie par une curiosité vis-à-vis du slogan « One, Two, Three, Viva l’Algérie », le propos du film est d’aborder au travers du jeu un portrait contemporain du pays et d’interroger son rapport avec la France. L’angle d’approche, par le foot, se veut une manière de traiter le sujet sans s’engager dans une documentation proprement historique ; néanmoins, la forme collective suscitée par le foot est l’opportunité d’évoquer des valeurs et des histoires. La volatilité du rapport à celui-ci et à son équipe est utilisée pour parler du rapport aux deux pays. Le choix est également motivé par l’affection de Samuel pour ses grands événements où les gens se côtoient et qui donnent lieu à des moments de communion, quelle que soit la passion pour le sport. Pourquoi ses héros ? Pourquoi ses symboles ? Pourquoi cela fonctionne ? Samuel explique que ces questions, qui ont guidé ses premières images en 2010, reviennent progressivement dans le film après quelques détours.

Dans la suite de la présentation et dans la discussion qui suit, différents enjeux sont mis en évidence.

Une première difficulté du montage réside dans l’articulation des différents types d’images dont les provenances sont variées – images tournées par Samuel et Amine, mais aussi des images issues de documents historiques ou empruntées sur des plateformes telles que Youtube – et deux régimes de narration : des séquences où le montage articule de telles images et un « cinéma direct » plus spontané comme les séquences présentant des moments de vie mêlés d’interviews. Prises en France autant qu’en Algérie, la façon de passer d’un pays à l’autre est aussi interrogée, mais pour le réalisateur, les images s’exposent dans une logique qui n’est pas nécessairement géographique.

Une autre difficulté concerne la voix off dont nous avions déjà évoqué plusieurs enjeux l’année dernière dans le cadre du cycle de projection. Si son rôle dans la nécessité de donner sens au contenu est souvent discuté, il se pose également la question de son identité. Dans le projet de Samuel, la voix off est d’abord imaginée en collaboration avec un slamer puis comme une voix féminine pour devenir finalement sa propre voix : l’enjeu est alors de créer un personnage narrateur, sans que celui-ci ne soit présent pour raconter sa vie, mais dont l’identité restitue pourtant le chemin et le positionnement du réalisateur auquel le projet a fait découvrir l’Algérie. Ce positionnement qui ne va pas de soi. Samuel est français et son entreprise pose d’emblée des questions de légitimité. Son rapport aux pays évolue aussi depuis son premier voyage en 2010 où il découvre le pays. Le film est un apprentissage et son regard porté sur l’Algérie devient en retour aussi un regard porté sur la France.

Absents au début du projet, des personnages sont introduits tardivement. En plus du personnage de Samuel qui émerge progressivement au travers de la voix off, cinq personnages ont été choisis. Ces personnages ont pour point commun d’avoir un rapport avec le foot tout en ayant un pied en dehors. Samuel évoque aussi la construction du « personnage collectif » (spectateurs face aux matchs où lors des célébrations) dans le cadre du montage.

En conclusion de sa présentation, écourtée pour laisser place à la discussion, Samuel compare le montage du film avec la sculpture : d’une première forme grossière, la forme finale est affinée progressivement. D’autres questions se posent, notamment celle du public visé par le film. Samuel aimerait projeter son film en France ainsi qu’en Algérie. L’enjeu est alors de construire quelque chose qui puisse être compréhensible et puisse faire sens dans les deux pays. Le problème est spécialement difficile pour la séquence durant laquelle Samuel et Amine insèrent des images issues de documents historiques. Ces images et ces événements, biens connus en Algérie, ne sont pas connus ni enseignés en France.

La dernière réflexion sur le public ciblé par le film est aussi l’occasion de revenir sur les questions d’intentions. Comment trouver ce qui est essentiel au film ? A qui ou à quoi donner plus d’importance ? Qu’est-ce qui pourra intéresser le public au-delà des deux réalisateurs ? Motivées par l’envie de partir pour découvrir, de filmer et de raconter quelques histoires, les questions de la démarche et du public viennent en cours de route, engendrées par un mûrissement progressif du projet, mais aussi par d’autres impératifs : la nécessité de finaliser un projet qui s’étale déjà sur 8 ans, de faire voir les images et de rapporter un peu d’argent.

Dans la discussion, c’est l’occasion pour Madeleine de revenir sur les enseignements de son master en sociologie visuelle. Le propos naît du montage et la problématique se construit 3X : avant de filmer, une fois qu’on se retrouve avec autre chose devant les yeux que ce qui était prévu, et ensuite pendant le montage lorsqu’on se rend compte des impératifs liés au public, de la nécessité d’introduire des personnages, etc. Pour Madeleine, les extraits montrés par Samuel révèlent encore beaucoup d’intentions. Elle rapproche cela de son travail de thèse. Dans un tel travail, comme dans la conception d’un documentaire, il faut faire simple alors que la réalité, elle, est compliquée.

La présentation de Samuel est plus largement l’occasion de saisir une nouvelle fois les parallèles entre la démarche de recherche en sciences sociales et celle du cinéma documentaire. La construction d’un objet de recherche, de personnages, la construction progressive de la problématique, la collecte d’un matériel qui déborde de toute part, la simplification des faits et la place occupée par le·la réalisateur·trice – chercheur·euse font partie intégrante des enjeux tant du montage cinématographique ou que de la rédaction du travail scientifique. Des points d’attache pour « faire et défaire » des pratiques de créations communes ?

Chroniques, Rencontres

Retours sur la conférence du photographe et anthropologue Christian Vium

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Parce que les blagues plus courtes sont les meilleures, AHA vous propose un bref feedback d’un de nos derniers événements. C’est moi, Madeleine, qui prend la plume, que j’ai voulu légère.

Alors voilà.

Le 14 mai 2018, l’anthropologue et photographe Christian Vium nous a fait l’honneur de se déplacer à Bruxelles, depuis l’Université d’Aarhus, pour un exposé organisé dans le cadre du cycle de conférence en anthropologie du LAMC.

Hé bon, c’était super.

Avec Noémie Marcus, on avait regardé son travail sur son site (christianvium.com), et on avait plein de questions.

On se demandait quelle valeur était accordée à l’esthétique au moment de produire une narration visuelle sur le réel et est-ce que cette démarche était avouée dès le départ. Parce que, qu’est-ce que le beau ? La recherche d’esthétique faisait-elle disparaître certains aspects de la réalité sociale (plus facilement conceptualisable par écrit), où permettait-elle au contraire d’ouvrir des registres de connaissances alternatifs sur nos terrains (émotionnel et politique, par exemple).

Malgré la volonté de Christian Vium de déconstruire l’imaginaire photographique empreint de colonialisme, on craignait les glissades sur la pente de l’exotisation, conséquences de la réification esthétique d’une personne par son portrait. Après tout, ne parle-t-on pas de « cliché » ? Une image arrêtée, fixe et soumise au dispositif photographique qui, dans une démarche anthropologique, rappelle les biais allochroniques et fixistes, passant à côté de l’aspect dynamique et mouvant de la réalité sociale.

Bon, et puis, il y avait aussi la relation du photographe avec les gens qu’il rencontrait. Comment il négociait sa place et, surtout, son appareil photo. Il devait bien exister des contextes où la photo était une pratique plus naturelle (parce qu’associée au journalisme ou au tourisme, par exemple) et d’autres où, au contraire, la photo était plus délicate.

On n’est pas restées sur notre faim.

Christian Vium a anticipé chacune de nos questions en s’attachant à nous démontrer l’intérêt heuristique de sa pratique photographique sur le terrain. Sa série « Encounters », impliquant images d’archives, photos de familles des gens qu’il rencontrait, et ses propres shootings a permis de mettre en évidence qu’un projet photo, c’est finalement un prétexte à interpellation comme un autre, un catalyseur, qui délie les langues, mais pas que.

 © Cristian Vium

Placé dans une perspective diachronique, les séries de photos qui ont été présentées rendent incontournable la question coloniale. Par sa démarche collaborative (laissant le choix aux personnes finalement photographiées de décider de leurs poses, de leurs mises en scène ou des scènes quotidiennes qu’elles souhaitent immortaliser), le photographe et anthropologue déconstruit l’idée de passivité et de soumission des individus face au dispositif photographique. Il insiste sur leur agency, leur appropriation de l’histoire et du média, les jeux narcissiques, les interdits tacites et, par l’usage du portrait filmé, dévoile les coulisses de l’acte de photographier.

Tout ce processus, dont l’intérêt permet de se créer de la légitimité et de désamorcer les critiques vis-à-vis du potentiel déséquilibre utilitariste de la relation photographe/photographié, demeure toutefois invisible à la vue de la photo seule et passera toutefois par l’écrit ou la parole, nécessitant donc un accompagnement des photos pour que l’aspect collaboratif soit explicite. Avec beaucoup de lucidité, Christian Vium a fait preuve d’une analyse réflexive surprenante à cet égard, concédant ainsi les limites conceptuelles du visuel dans une démarche socio-anthropologique.

Cette réflexivité l’a d’ailleurs amené à questionner sa place d’homme blanc et l’asymétrie que provoque l’appareil photo et la situation d’entretien sur le terrain, ce qui outrepasse évidemment le cadre précis de la démarche photographique, renvoyant ainsi à des questionnements plus généraux sur la légitimité et la place des anthropologues en des terrains (post-)coloniaux.

Quant à l’esthétique, on conçoit aisément comment des questions éthiques (d’anonymat notamment) et pratiques ont influencé certains choix de flou et de noir et blanc pour sa série « The departed », sur le voyage entrepris par des migrants d’Afrique de l’ouest en route vers l’Europe et ce, sans compter l’aspect émotionnel (angoisse, drame) et narratif (le mouvement, la transformation personnelle). Il était toutefois intéressant de discuter comment Christian Vium s’est retrouvé piégé dans une certaine forme esthétique, supposée servir le fond, dans la quête de distinction face à la déferlante journalistique et comment l’accusation de subjectivité artistique soulève la question de la sémantique photographique. Après tout, une photo est-elle plus objective si elle est « réaliste » ?

© Cristian Vium

Parmi tant d’autres sujets abordés, on retiendra également l’importance de l’édition, de l’agencement des photos et de la mise en place des expositions, qui jouent un rôle crucial dans la narration et le sens que les images prennent. Au contraire des publications scientifiques, les productions visuelles sont par ailleurs plus enclines à la diffusion à un plus large public, suscitant ainsi des discussions et débats susceptibles de faire resurgir de nombreux questionnements épistémologiques et méthodologiques propres aux sciences sociales.

Car, si la photographie propose un regard sur le réel différent par rapport à l’approche socio-anthropologique classique, avec ses limites, ses obstacles et ses plus-values, elle permet malgré tout, par les points de convergence où ces deux démarches se rencontrent, d’interroger de manière originale les bases sur lesquelles repose l’analyse du monde social.

Christian Vium cherchait une liberté narrative difficilement concédée dans les revues scientifiques classiques, osant passer le pas du surréalisme, particulièrement appréciable dans l’édition et l’exposition de sa série « Ville nomade ». Il embrasse ainsi le lâcher prise vis-à-vis de l’interprétation de ses photos par le public, renonce au pouvoir argumentatif de l’écrit, pour se concentrer sur le plaisir procuré par le laisser-aller créatif et la reconnaissance de la plasticité potentielle de nos terrains d’étude.

© Cristian Vium

Finalement, avec l’AHA, c’est tout ça qu’on recherche. Expérimenter, prendre du plaisir, s’ouvrir des portes et des fenêtres et affronter les courants d’air. Attention, le petit oiseau va sortir.

Chroniques, Cycle Faire & Défaire

Retour sur la projection du film de Sébastien Kapp : Ragnarok, un monde ré-enchanté

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Le 7 février, lors de la deuxième séance du cycle de projection Faire et Défaire, c’est le documentaire « Ragnarok, un monde ré-enchanté » réalisé par Sébastien Kapp, chercheur post-doctorant à Science-Po après avoir réalisé une thèse en co-tutelle entre l’ULB et l’EHESS, qui a fait l’objet de la séance. Il nous a plongé dans l’univers surprenant du jeu Grandeur Nature (GN), Ragnarok. Se déroulant sur un weekend, ce dernier réunit plus d’un millier de participant.e.s pour incarner des personnages vénérant des dieux, conduisant des batailles et résolvant des intrigues dans un décor aux allures médiévales.

A la suite de la projection, la discussion, engagée par Céline Quellet et Rachel Hoekendijk, s’est d’abord tournée vers la place de la caméra sur ce terrain aux côtés des haches, des lances et des gourdins, puis s’est centrée sur la double position du chercheur et du réalisateur au sein de cet univers particulier où une position d’observateur non participant est difficile à tenir. Ce fut l’occasion pour Sébastien Kapp de revenir sur les procédés techniques qui ont rendu possible le tournage du film : des images tournées avec un appareil photo – un outil moins intrusif ou gênant qu’une caméra, et régulièrement utilisé par les joueurs eux-mêmes –, ainsi que des caméra GoPro discrètement fixées sur des vêtements, ou encore un drone pour survoler la propriété et capter quelques images aériennes.

Les discussions sont d’abord revenues sur la position particulière du réalisateur, qui observe et filme le jeu des joueurs et joueuses sans, cette fois, jouer lui-même, contrairement au rôle que Sébastien Kapp occupait lorsqu’il s’y rendait en ethnologue, dans le cadre de son doctorat. Il était alors impossible de se tenir à l’extérieur, en marge du jeu. Au-delà de l’impératif méthodologique, la spécificité du terrain rendait obligatoire une démarche d’observation réellement participante. Le jeu obligeait à y prendre part, en se choisissant un personnage, un rôle, même avec un carnet de terrain à la main. Au-delà de la distinction entre observation participante, engagée dans l’interaction avec celles et ceux qui jouent, et observation distancée de la caméra, entre jeu et non-jeu, les échanges ont révélé une différence dans les matériaux récoltés : là où le réalisateur fait partager l’univers de Ragnarok et son esthétique au travers d’un travail visuel, le chercheur n’a collecté pratiquement aucun matériel de ce type durant son travail de terrain, malgré le potentiel visuel de celui-ci (car rempli de costumes colorés, de décors de style médiéval et d’armes en mousse etc.). Cette ethnographie purement textuelle a-t-elle engendré une frustration qui aurait conduit notre invité à envisager la réalisation d’un documentaire ? Il s’emblerait bien…

Après des propos méthodologiques liées aux démarches croisées du réalisateur et du chercheur, la discussion s’est orientée vers le GN en lui-même, un immersion fictionnelle collaborative qui fascine sans doute les joueurs mais aussi celles et ceux qui voient le film de Sébastien Kapp pour la première fois. Qui sont ces joueurs et joueuses ? Ont-ils/elles joué au jeu de rôle sur table ou fait du théâtre auparavant ? Quelle est leur classe sociale ? Y a-t-il des accidents ? Les joueurs ou les joueuses peuvent-ils/elles se faire mal pendant le jeu ? Vivre des moments traumatiques ?

Au-delà du film et pour répondre à ces questions, la parole a donc été donnée au chercheur, qui est revenu sur les résultats de ses recherches passées et son travail de thèse. Par exemple, les statistiques identifient des personnes ayant des ressources économiques certaines –  les costumes ou les armes peuvent coûter cher – et qui sont plutôt super diplômées par rapport à la moyenne. Il y a par ailleurs peu d’accidents : les armes sont en mousse et toutes sont vérifiées par précaution. En cas d’incident, ou si une tempête menace, un temps mort (time out) est prononcé, pour arrêter le cours du jeu temporairement. Cette régulation au sein du jeu est peut-être une raison qui explique que la police s’ennuie souvent lorsqu’elle encadre ce type d’événements car, contrairement aux festivals, les interventions sont rarement nécessaires. Cela a amené les discussions à évoquer ce qui est peut-être la plus stupéfiante magie du GN : instaurer l’espace de 48h un monde time in où des milliers de personnes cohabitent. Même lorsqu’elles ne se connaissent pas, elles suivent des règles édictées par les organisateurs et les organisatrices, leurs déesses et leurs dieux, leurs prêtresses et leurs prêtres, tout en prenant plaisir à s’immerger dans une fiction que chacun.e participe à construire. Chacun.e s’évertue à respecter cette immersion synonyme de plaisir. On retrouve certainement cette magie dans le documentaire que nous avons visionné dont les images nous emportent à plusieurs reprises, alors même qu’elles ont été filmées sans préparation ni répétitions.

Il n’y a pas de seconde chance, en effet, pour tourner les images. Pourquoi n’avoir pas d’avantage suivi individuellement les joueurs et les joueuses dans le jeu ? Sébastien Kapp a répondu à cette question en revenant sur les contingences techniques qui ont conditionné la réalisation du film : il a réalisé des entretiens filmés dans les jours qui précédaient l’événement mais s’est trouvé en difficulté pour retrouver les personnes interviewées dans le monde foisonnant de Ragnarok.  Enfin, il a fallu faire avec un matériau produit en l’espace de 48h seulement, une qualité parfois décevante, voire l’absence de certaines images, lorsque la batterie de la caméra attachée au drone durant la bataille a fait faux bond.

En fin de séance, un bref retour a été fait sur la réception du film et des travaux de recherche de Sébastien Kapp au sein de la communauté GN. La discussion aurait pu encore se prolonger mais, le bâtiment fermant ses portes, nous avons dû nous diriger vers la sortie pour ne pas risquer d’être pris à notre insu dans un Escape Game au sein de la bibliothèque des Sciences Humaines de l’ULB !

Carnet Hypothèse du film : http://ragnarok.hypotheses.org/

Film en ligne : https://archive.org/details/Ragnarok5000kbps

Prochaine projection : Le 8 mars 2018 : Mijn Ouders et moi, de Stéphane Bergmans

Chroniques, Cycle Faire & Défaire

Retour sur une projection

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Le 4 décembre dernier, l’AHA inaugurait son cycle de projection “Faire et défaire” consacré au cinéma socio-anthropologique. Les combattants du poil sacré, documentaire de 26 minutes consacré au Doudou – la fête de la ducasse de Mons – a été diffusé en la présence de Florian Vallée, le réalisateur, et Aurélien Baroiller, anthropologue rattaché au LAMC – Laboratoire d’Anthropologie des Mondes Contemporains de l’ULB. Les deux compères, qui se sont pris d’intérêt pour cette fête ébouriffante, sont revenus sur les coulisses de la fabrication du film et le dispositif narratif choisi pour traiter de ce sujet, entre analyse socio-anthropologique, humour surréaliste et fascination exotique pour ce qui nous est proche. Une partie de ping pong s’est engagée entre deux regards, celui du documentariste et celui du chercheur, du montois et de l’étranger, restituant la démarche de création du film comme le résultat d’un dialogue entre pratique cinématographique et anthropologique mais également comme fruit d’un jeu subtile entre intériorité et extériorité. Si l’audience composée d’étudiant.e.s et de chercheur.e.s n’était pas pléthorique, elle était de qualité, et l’équipe d’organisation du cycle s’est réjoui de l’intensité des échanges.

Voici quelques photographies souvenirs de cette première projection du cycle.

On vous attend pour les séances suivantes !

[Le programme complet sera diffusé très prochainement.]

Chroniques, Écoles arts et sciences sociales

L’école AHA “son et sciences sociales” 2017 à l’écoute !

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Il y a environ un mois, l’Atelier d’Hybridations Anthropologiques organisait la seconde édition de son école Arts et Sciences sociales. Cette année, l’AHA s’est intéressé à l’univers du sonore et a invité Clara Alloing, réalisatrice de documentaires radiophonique et Antonin Simon, compositeur de musique électroacoustique, pour animer un atelier qu’ils ont intitulé “paroles sensibles et paysages sonores”.

L’atelier a regroupé une douzaine de participant.e.s, étudiant.e.s, chercheurs, artistes, tou.te.s à leur manière explorateur/trice.s de l’entre deux chaises, inconfortable zone de trouble entre des mondes qui se font face sans toujours se parler : que faisons-nous ? comment le qualifier ? comment le ranger ? C’est de l’art ? de la science ? ou du cochon… ?

Les attentes de chacun.e étaient différentes mais se faisaient étonnement écho les unes aux autres. Parmi elles une forme de curiosité pour le son et l’idée de l’hybride, ainsi qu’un certain besoin de trouver des pairs, des personnes semblablement troublées par l’inconfort, avec qui se mettre en dialogue.

Durant trois jours, le groupe s’est immergé dans des écoutes en intérieur et en plein air (le printemps avait pointé son nez), afin de sensibiliser les oreilles de chacun et d’élargir le spectre de notre expérience sensible du monde.

Des duos se sont ensuite constitués pour capter, à l’aide d’enregistreurs, la diversité de l’univers sonore du campus de l’Université Libre de Bruxelles, depuis les espaces les plus connus aux plus inconnus. De retour en salle, chaque paysage sonore a commencé à prendre forme après montage sur le logiciel Reaper.

L’objectif poursuivi dans la création des paysages sonores était de questionner le statut du son dans les sciences sociales, en particulier de discuter de la place prépondérante prise par la parole. Trop souvent limitée à son statut d’information discursive, la parole des interlocuteur/trice.s de la recherche en sciences sociales est la plupart du temps archivée et retranscrite pour être analysée de manière textuelle. Ici, l’idée était de travailler le “son comme une matière plastique, expressive et émotionnelle”, pour reprendre les mots de Yann Paranthoën, “pirate des ondes” radiophoniques aujourd’hui disparu.

Nous avons donc du laisser de côté, pour un temps au moins, le discours cher aux sciences sociales, afin d’ouvrir l’oreille et de faire un pas de côté dans l’expérience de recherche. Les voix sont ainsi devenues des sons parmi d’autres, colorant le monde sensible exploré par les duos au sein du campus de l’ULB. Cette consigne radicale était bienvenue pour profiter au mieux du cadre restreint de l’école et pour produire, avec le peu de temps dont nous disposions, des traces intéressantes de cette aventure collective.

Les différentes narrations sonores produites lors de cet atelier de trois jours ont tenté de saisir des ambiances, des atmosphères témoignant de la richesse des lieux et des histoires composant un campus universitaire. À travers les sons des machines, des rires, des musiques, des portes, des objets rythmant le quotidien, on explore l’université par les sens, en tâtonnant dans la découverte de sons inconnus, de sons inqualifiables, de sons évocateurs ou encore de sons profondément inscrits dans nos mémoires physiques et psychiques.

Les machines de la scierie et du travail des menuisiers reclus dans leur atelier fait écho à la petite musique du camion à gaufres qui sonne la fin des cours et le retour en tram. Le silence feutré de la bibliothèque contraste avec les éclats de rire résonnant près du babyfoot, alors que le chant des oiseaux de la serre nous emporte à l’extérieur, dans la météo printanière qui a profité à la réalisation de l’école.

Au soir du dernier jour, les participant.e.s à l’école et les fidèles compagnons de route de l’AHA se sont retrouvés à L’Eau Chaude – Het warm water, dans les Marolles, afin d’écouter un paysage sonore filé, mosaïque des contributions des différents duos. La discussion issue de cette écoute a pu pointer la diversité des points de vues narratifs choisis dans la création des paysages sonores : de la rêverie évocatrice d’une atmosphère estudiantine à l’ambition documentaire explorant un lieu dans ses moindres détails, les différentes contributions se sont distribuées sur un spectre large de l’hybridation sonore. Nous nous félicitons d’avoir pu ouvrir cet espace des possibles dans l’interstice inconfortable duquel nous étions partis.

Merci encore à tou.te.s d’avoir participé à cette expérience collective enrichissante !

Voici quelques paroles de participant.e.s :

“J’ai eu beaucoup de plaisir pendant ces trois jours… J’ai aussi trouvé l’approche très ‘’efficace’’ : par des praticiens ; par l’écoute ; avec un minimum d’outils pour réaliser quelque chose en binôme ; et une consigne bienvenue : exprimer par les sons (autre chose que la discursivité langagière).”

“Un grand merci à vous tous pour cet atelier riche en sons et émotions.”

“C’était une belle surprise de retourner à l’université dans ce cadre ! Ça faisait du bien de se ressaisir de ses murs et de ses bruits, d’une manière ouverte et attentive à ce qui se passe ailleurs.”

“Notre atelier a nourri ma pratique et ma pensée.”

“J’ai fort hâte de ré-écouter.”

Alors c’est parti ! >> Les six petites pièces sonores réalisées en binôme par les participant.e.s de l’école sont disponibles à l’écoute sur le compte soundcloud de l’AHA. L’ensemble des photographies prises lors de cette expérience sont également disponibles à cette adresse, sur notre compte Facebook.

Chroniques, Écoles arts et sciences sociales

Chronique d’une école

Un commentaire

Après une journée organisée le 10 juin 2015 autour de la question de la rencontre entre les sciences sociales et les arts, l’Atelier d’Hybridations Anthropologiques remercie tous les participant.e.s et visiteur/se.s présents lors de la première édition de son école d’automne, les 16, 17 et 18 novembre derniers. Cette école, deuxième évènement proposé par l’AHA, était conçu comme un moment privilégié pour mettre à l’épreuve et expérimenter les grandes propositions qui tiennent le collectif : partager des savoir-faire, échanger des expériences, penser la limite entre les arts et les sciences sociales, la tester, la bousculer, réfléchir collectivement, coproduire dans la gaité et la réflexivité, cheminer vers l’horizon de l’horizontalité… Aussi ambitieux que ce bouillon hybride puisse paraître, il nous semble que l’école a largement rempli ses objectifs et nous la considérons comme une réussite qui ouvre le chemin de nombreuses expérimentations et réflexions futures !

AB

C

C1

Durant ces trois jours d’école, chercheur.e.s et étudiant.e.s en sciences sociales se sont côtoyés dans des ateliers animés par des professionnel.le.s de la vidéo et du dessin. Nous remercions bien bas Réjane Vallée, Marta Kucza, Kim et Bruno Tondeur, Joal Grange et Florent Grouazel de s’être prêté.e.s au jeu de la transmission de connaissance et de savoir-faire dans les contraintes de la courte parenthèse ouverte, d’avoir mis en partage leur expérience et leur point de vue sur les techniques artistiques que nous avons travaillées ensemble. Nous remercions les étudiant.e.s pour l’enthousiasme et l’ardeur avec laquelle il/elle.s ont embrassé l’initiative et se sont mis à « faire », sans inhibition et en grande intelligence. Nous remercions enfin les chercheur.e.s et professionnel.le.s participant d’avoir joué le jeu avec décontraction et bienveillance, d’avoir saisi les occasions propices pour éclairer les uns et les autres de leurs lanternes aguerries et pour poser les grandes questions qui nous animent tous.

D

E

F

H

I

J

Il nous semble que chacun.e a appris des interactions, des discussions et des confrontations de points de vue durant ces trois jours dont il ressort une double envie de libération individuelle et d’expérimentation collective. Chacun.e peut se saisir des techniques artistiques avec lesquelles il/elle se sent une affinité particulière. Dans la pratique et l’échange surgissent ensuite les questionnements, les réflexions, se construisent les projets et c’est par le cœur que se renforce la légitimité d’une démarche.

K

L

M

Bien sûr, la formule de l’école est perfectible et nous ne jouons pas à nous couvrir de lauriers non mérités ! Nous avons d’ailleurs discuté des points d’organisation et de contenu à retravailler avec les uns et les autres de vive voix, par email ou lors de la rencontre de bilan organisée le vendredi 27 novembre dernier (merci aux présents !). Mais ce qui nous semble le plus important est que tout le monde paraît s’être retrouvé dans cette expérience, qui s’est conclue en beauté lors d’un pot de clôture décontracté et joyeux à La Quincaillerie des Temps Présents, un très bel endroit à l’accueil chaleureux.

N

Pour l’AHA, l’effervescence qui a marqué l’école d’automne sonne comme un très bon début ! Et nous espérons vivement pouvoir continuer à réfléchir, expérimenter, partager avec vous sur les chemins de traverse de l’hybridation anthropologique !

Un grand merci à tous !