Archives de catégorie : Activités

Les activités de l’AHA.

« Les potentialités du dessin ethnographique dans l’enquête en sciences sociales » – retour sur l’école de printemps anthropographique de l’AHA, à Charleroi – 2023

Durant le mois d’avril 2023 s’est tenue la cinquième édition des écoles « Arts et Sciences sociales » sur le campus de l’ULB à Charleroi en collaboration avec le centre de recherche Transfo

Une quinzaine de participant.e.s se sont donc retrouvés, doctorant.es, chercheuses et chercheurs, issus de disciplines variées : anthropologie, architecture, géographie, criminologie et sciences politiques. Si pour certain.e.s la pratique du dessin faisait partie de leur quotidien, pour d’autres celle-ci leur était complètement étrangère. Toutes et tous pressentaient cependant que l’usage de ce médium pouvait les emmener sur des chemins de traverse féconds pour leurs recherches respectives.

Dans un même esprit de prise en main progressive du médium, tou.t.es furent aussi incité.es à sortir de leur zone de confort en testant de nouveaux outils (encres, aquarelles,feutres, etc.), ou en prêtant attention à de noueaux sujets : mobiles et non statiques, olfactifs et haptiques plutôt que strictement visuels, etc.

Pour suivre le fil de nos journées, nous avions proposé un thème de recherche, celui de la Sambre de Charleroi et de ses rives. Sans en faire une recherche fondamentale, ce thème a constitué un prétexte commun. Il s’agissait de s’intéresser à la place de l’eau dans la ville, sujette à de profondes modifications – passées ou projetées – de son réseau hydrographique. C’est pas à pas, crescendo,  que nous avons approché la Sambre : depuis le balcon de l’A6K où nous étions accueilli.e.s, le long du halage,  jusqu’au centre ville de Charleroi; allant du plus intime et de l’espace immédiat de nos corps à la déambulation citadine. 

Ainsi, si le premier jour fut dédié à des exercices brise-glace et d’échauffement du poignet tels que la réalisation de portraits entre les participant.es, le groupe s’est ensuite frotté au dessin d’observation in situ et aux interactions, verbales ou non, que peut susciter la prise de notes visuelles sur le terrain.  En fin d’atelier, cette logique fut poussée plus loin encore via un exercice de dessin collaboratif en ville qui invitait les participant.es à susciter l’interaction via le dessin, voire à faire dessiner l’Autre. 

L’invitation majeure de Kim, notre formateur, était celle d’aller chercher la vie dans le dessin, le mouvement. Il ne s’agissait donc pas de poursuivre l’appel du dessin objectivant, pensé comme une copie du réel, qui viendrait donner un supplément d’âme aux propos anthropologiques, mais bien d’assumer nos dessins subjectifs, avec la dose de prise de risque, de ratés, de frustrations et de jugements, mais aussi d’enseignements que cet exercice impose.

Derrière ces exercices visant le développement d’une familiarité et d’une intimité grandissante avec la pratique du dessin se cachait une conviction simple : celle que toute bonne méthodologie est aussi, avant tout, une méthodologie avec laquelle l’ethnographe se sent à l’aise. Dès lors, dessiner sans arrêt (en marchant, en parlant, etc.), ne jamais gommer et cultiver un regard bienveillant sur notre pratique du dessin relevaient de l’essentiel.

Dessin et partage

Nous avons commencé la formation avec la conception, de nos mains, d’un carnet de dessin, guidé.e.s par Corinne Clarysse, papetière carolo. Ce carnet nous a accompagnés tout au long de ces trois jours,  renfermant les précieuses traces de l’apprivoisement du trait.  

Après ces découpages et collages, les liens avec la matière s’opèrent. C’est aussi l’occasion pour le groupe de se rencontrer dans les gestes techniques de fabrication. L’émulation collective a été prépondérante dans l’approche de la pratique graphique. Le partage s’est fait à plusieurs niveaux. D’une part, au niveau de la pratique graphique, comme lors des exercices de dessin “à l’aveugle” (où nous nous sommes dessiné.e.s en miroir sans regarder notre feuille)ou lors des dessins d’observations de poses, de postures et de mouvements. D’autre part, cette rencontre s’est également faite lors des retours sur expérience après chaque activité proposée. Ces discussions nous permettait de placer le dessin dans son contexte et nous rendre compte que parfois le dessin ne suffit pas, qu’il nous faut aussi des mots. Ces temps d’écoute et de lecture viennent questionner les traits graphiques: qu’est ce que le dessin dit de nous ? qu’est ce qu’il vient nous apprendre ?

Il est parfois ardu de lâcher prise sur le dessin car l’auto jugement peut s’avérer sévère ou dépréciatif. Les trois règles annoncées par notre formateur nous ont alors portées vers des contrées plus clémentes. Le fait de dessiner de manière continue, d’être encouragé par la bienveillance des collègues plus aguerris et d’observer leur manière de s’y prendre pour construire leurs dessins nous a amené à nous surprendre et à nous dépasser. Nous avons qualifié cette étape de “libération des crayons”!

 Le dessin dans l’enquête

Tel un langage, le dessin s’apprend par l’expérience. Plus on le pratique, plus on se familiarise avec ses potentialités heuristiques.

Une réflexion sur l’expression narrative nous a amené à comparer les traits aux mots. Par leurs absences, les mots se transforment en traits et nous permettent de saisir des réalités nouvelles. Nous avons ainsi pu rendre visible l’invisible, par exemple en y  représentant le non verbal, le sensoriel, les mouvements, l’espace ou les attitudes relationnelles. Quel serait un dessin qui serait basé non pas sur ce que l’on voit mais ce que l’on entend, ce que l’on sent,ce que l’on touche ou ce que l’on goûte? 

Faire l’expérience du dessin nous à fait réfléchir aux analogies possibles entre la pratique du dessin et le travail ethnographique. En effet, de manière plus évidente, le dessin nous amène à opérer des choix, comme sur le terrain : est ce qu’on choisit ses enquêté.e.s ou sommes nous choisis par elles/eux ? En effet, le dessin, tout comme l’enquête ethnographique, nous emmène là où on ne s’y attend pas et la sensation de surprise peut nous laisser parfois dubitatif/dubitative. 

Réfléchir aux potentialités de l’usage du dessin dans l’enquête ethnographique nous a amené à interroger le dessin dans les différentes étapes d’une recherche en sciences sociales. 

Tout d’abord, dans l’espace social, le dessinateur ou la dessinatrice rend curieux : “qu’est ce que tu dessines?” Il est parfois arrivé que le dessin vienne en effet créer des situations d’intéractions durant ces journées d’apprentissage : ici alors la situation s’inverse, l’observatrice/l’observateur est observé.e. La question de la position sur le terrain devient plus évidente : le carnet de dessin donne à voir et à être vu. Cette situation “à découvert” permet à nos interlocuteurs.trices de mieux nous situer. Il nous est apparu alors que le fait de dessiner sur son terrain offre un support émotionnel dans les situations de malaise ou d’inconfort généré par cette situation artificielle. 

Un dessin nous rend présent.e.s. Les émotions traversées sur le terrain tel que le découragement ou la joie sont cristallisées quelque part sur un carnet que l’on pourra retrouver. Ainsi le carnet de dessin agit tel un support émotionnel et permet au chercheur.euse de donner à voir son point de vue singulier et situé. Les choix de ce que l’on dessine nous amènent alors à assumer une certaine subjectivité en alliant le dedans et le dehors.  Les dessins, ouverts à de multiples interprétations, nous permettent de se replonger dans les moments vécus. 

Pour certaines participant.e.s à ces journées, l’usage du dessin permet également de donner une dimension visuelle à leur recherche malgré l’interdiction de tout appareil de captation technologique (appareil photo ou caméra). Le dessin permet alors une approche moins intrusive du monde social ainsi que la possibilité plus large d’anonymisation des interlocuteur.trices. 

Pour d’autres, le dessin permet de mieux voir le monde qui nous entoure, de “rafraîchir” son regard sur le monde social. Les dessins peuvent alors constituer un réel support à la mémoire. Une autre réflexion fut celle de l’expression temporelle et spatiale. En effet, quand on dessine le temps se fait élastique, l’absorption est intense: “on ne voit pas le temps passer!” diront plusieurs participantes.

Au-delà de l’enquête immersive, le dessin offre de multiples potentialités en termes d’analyse. En effet, l’un des participant.e.s nous a dit « dessiner me permet de mieux écrire ». Un dessin pourrait donc constituer également le lieu de transition vers l’écriture. Nous avons été confronté en effet au fait que le dessin ne peut se suffir à lui-même, de même que pour rendre compte de l’expérience de ces trois journées, aurait-on pu vous transmettre cette expérience de trois jours d’ateliers par la seule voie de dessins? 

Le dessin permet donc également de transmettre des résultats de recherche d’une manière plus accessible au plus grand nombre, il est un outil de partage.

Conclusion  

Rendre compte de ces trois jours de dessin nous a amené à intégrer le dessin dans nos pratiques et réfléchir à ses effets émancipateurs dans l’enquête ethnographique. Tout d’abord, nous concluons que la pratique du dessin se mêle souvent au plaisir, « un flux d’image à qui on donne la parole » (citation de Carl Jung→ entendu dans  l’émission “TRAIT POUR TRAIT -UNE HISTOIRE DE DESSIN, DE DOODLE ET DE GRIBOUILLIS ¼ DESSINER POUR S’AMUSER” ). 

C’est à différents moments de l’enquête que le dessin peut être employé; avant le terrain pour se préparer/ s’exercer aux regards; pendant le terrain pour assumer sa présence par exemple ; et post terrain pour revisiter son carnet ou y déposer les restes mémoriels. 

C’est également à différents usages que le dessin peut servir au travail d’ethnographe, en y dessinant les sens tout en construisant une narration,  qui vient, tout comme un texte ethnographique, apporter un récit sur nos rapports au monde. 

L’espace de ces trois jours nous a permis d’ouvrir des nouvelles pistes de pratique graphique sur nos terrains respectifs, mais aussi de faire l’expérience du dessin avec un grand D et d’avoir pu s’y exercer au-delà de normes esthétiques ou de pression de résultat. Espace d’apprentissage, lieu d’expérimentation, une fois de plus l’élan de l’AHA aura soufflé un vent d’ouverture des possibles!

École de printemps de l’AHA à l’ULB Charleroi

L’AHA vous invite à sa nouvelle école de printemps, qui aura lieu les 26, 27 et 28 avril prochains sur le campus de l’ULB de Charleroi. Cette année, il s’agit de s’intéresser aux potentialités graphiques de l’enquête en sciences sociales, en passant donc par le dessin de terrain. Au programme, ethnographie et anthropographie ! La thématique de l’école vous invitera à utiliser plumes et stylos pour suivre les chemins de l’eau dans la ville et questionner l’histoire hydrographique de Charleroi. Trois jours intenses et enrichissants en perspective !

Les demandes d’inscription sont à envoyer avant le 31 mars à l’adresse transfo@ulb.be. Toutes les informations sont disponibles sur le document ci-dessous.

Journées d’étude de l’ AHA 15>17.06.2022

C’est la quatrième édition de nos rencontres arts et sciences sociales, lors desquelles nous continuons notre inventaire des hybridations en cours. Cette année, la traditionnelle journée déborde sur une soirée et une matinée : du 15 au 17 juin prochains, retrouvez nous sur le campus Solbosch de l’ULB !

Au programme de ces journées, du cinéma et du son pour explorer les liens multiformes entre art et sciences sociales, à partir de terrains africains, latino-américains, belges et français. Venez nombreuses et nombreux et faites passer le programme de ces journées aux personnes intéressées !

La tête sous l’eau : école sonore 2021 de l’AHA

Durant le mois de juillet 2021, au beau milieu d’un épisode de pluies intenses engendrant crues exceptionnelles et graves inondations, l’équipe de l’AHA s’était mise en tête d’enquêter sonorement sur un marais urbain, dans le sud-est de Bruxelles : le marais Wiels.

Disponibles à l’écoute en cliquant sur le lien ci-dessous, les quatre productions issues de cet atelier d’expérimentation collective posent la question de la présence sonore du marais, de l’eau et la pluie, entre deux averses, et continuent de défricher les terrains vagues de l’hybridation entre arts et sciences sociales. Comme le titre de l’une de ces petites pièces sonores le résume, on oscille entre splendeurs et misères !

Regroupant des anthropologues, des sociologues et des professionnels de l’audiovisuel, les quatre journées d’atelier ont été animées par Christophe Rault, ingénieur du son, réalisateur radio, artiste sonore et musicien, et accueillies dans les locaux de l’AJC – Atelier Jeunes Cinéastes, Rue de l’Autonomie 14, 1070 Bruxelles.

C’est à écouter ici !!!!

Faire et Défaire #9 : Projection du film “Quartier Nomade”, en présence de la réalisatrice Alexandra Rice

Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA vous fait découvrir une petite série de films socio-anthropologiques en situant au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

Le 11 mars 2020, l’AHA vous propose de découvrir “Quartier nomade” en présence de sa réalisatrice Alexandra Rice. La séance aura lieu à partir de 18h30 dans la salle AZ1.101.

Synopsis :

De la Flandre à la Wallonie “le Quartier Nomade”  traverse la Belgique dans une tournée annuelle qui se perpétue depuis des siècles. Ses habitants, les forains, sont pourtant bien implantés dans notre modernité. Dans la banalité de leur quotidien et du cycle de la vie. Le film s’interroge sur la tradition inconsciente qui les parcourt De quels résidus impalpables s’agit-il ? Serait-ce celui de nos traditions, de nous… Dans la communauté à laquelle inconsciemment, nous appartenons. Ce film en immersion dresse le portrait d’une communauté attachante qui insidieusement est mise en péril par les réglementations des villes, par la déconsidération de la culture populaire, et par les mutations urbaines que nous vivons tous. 

Hors les murs Jean Rouch – retour sur une expérience

Alors que se prépare l’édition 2019 du célèbre festival Jean Rouch à Paris, c’est l’occasion pour l’AHA de revenir sur l’édition hors les murs qui s’est tenue les 6, 7 et 8 mai derniers à Bruxelles dans la salle de cinéma éphémère du Kinograph. Dans le cadre de cette première édition bruxelloise, cinq documentaires issus de la dernière compétition ont pu être présentés en présence de leurs réalisateurs et réalisatrices :

“The Remnants” de Paolo Barberi et Riccardo Russo

 “Chateau Pékin” de Boris Pétric

 “Je vois rouge” de Bojina Panayotova

“Alle de tranen” de Sarah Vanagt

“Aperti al pubblico” de Silvia Bellotti

L’événement, réparti sur trois soirées, a été inauguré par une allocution de Jean-Paul Colleyn qui est revenu sur les liens intimes entre anthropologie et cinéma ainsi que sur sa relation professionnelle avec son ami Jean Rouch. Durant toute la durée du festival, une exposition des photographies de Jean Rouch et Catherine de Clippel a accompagné les projections sous la forme d’un dialogue photographique entre ces deux photographes-cinéastes qui, à une vingtaine d’années de distance, ont fait de l’Afrique le continent de leurs activités artistiques.

Le 7 mai, nous avions également organisé une matinée table ronde intitulée « Sciences sociales et cinéma : au-delà de la f(r)iction, comment « faire » connaissance ? ». Celle-ci s’est tenue à la Maison Européenne Des Auteurs et des Autrices (MEDAA) en collaboration avec la Société Civile des Auteurs Multimédia (SCAM). Les participants étaient invités à échanger autour de leurs expériences en matière de rencontres entre les deux mondes, leurs méthodes de travail, le séquençage et la répartition des tâches ainsi que sur ce que leurs créations leur avaient enseignés, quels défis étaient posés par ces collaborations et comment elles étaient reçues par le public. Ce moment plus réflexif fut l’opportunité d’un partage d’expériences ainsi que le terreau de futures perspectives et promesses collaboratives.

Pour l’AHA, un tel événement a été une chance autant qu’une réussite en suscitant des rencontres professionnelles et en attirant un public nombreux, rassemblant tant chercheurs et chercheuses, étudiants et étudiantes, réalisateurs et réalisatrices qu’amateurs et amatrices de sociologie, d’anthropologie et de cinéma. Les discussions étaient au rendez-vous, se prolongeant souvent tardivement dans la soirée autour d’un verre. La possibilité d’investir la MEDAA, de réaliser les projections dans une vraie salle de cinéma et de profiter d’un espace de restauration mise en place par le Kinograph et le collectif KomChéTaMère furent un vrai plus pour les organisateurs et les intervenants ainsi que pour le public.

Ce billet est l’occasion de remercier une nouvelle fois la MEDAA et ces collectifs du site SeeU pour leur accueil et leur collaboration de même que les institutions dont les financements ont permis à cette édition de voir le jour : le FNRS, la Faculté de Philosophie et Sciences Sociales, la SCAM et la commune d’Ixelles.

Et après ?

Durant les mois qui l’ont précédé, la préparation du festival a représenté une charge importante pour les membres de l’AHA. C’est pourquoi nous avons pris la décision de ne pas envisager une édition hors les murs annuelle, ce qui nous permettra de recharger nos batteries mais aussi de donner vie à d’autres projets et d’approfondir nos questionnements à propos d’autres “hybridations”.

Tandis que s’annonce le Jean Rouch de Paris, l’équipe de l’AHA réfléchit à la forme que pourrait prendre cette future édition qu’elle souhaiterait aussi entreprendre avec une équipe renforcée … Intéressés à sélectionner les films et à prendre part à l’organisation de la prochaine édition hors les murs à Bruxelles ? N’hésitez pas à nous en parler !

Projection du film “Border People” en présence de la réalisatrice Elena Barabantseva

Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection « Faire et Défaire » mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

Le 23 octobre 2019, nous vous convions à la projection du film “Border People” en présence de la réalisatrice Elena Barabantseva.

Synopsis :

How does the border enter and shape a family life? What does it mean to the people who cross the border for marriage? This film juxtaposes a personal story of Meihua, a Vietnamese Yao woman who married a Yao man in China, with the stories and ritual practices that the Yao elders pass on to the young generation amidst the Chinese state’s ambitious border development plans and ethnic revival strategies.

Journée d’étude de l’ AHA 11.10.2019

Nous revoici avec la troisième édition de le journée des inventaires des hybridations en cours organisée par l’Atelier d’Hybridations Anthropologiques le vendredi 11 octobre à l’ULB.

Au programme: du son, des photos, des dessins, des montages et des rituels inventés pour réfléchir aux liens multiformes entre art et sciences sociales, à partir de terrains marocains, belges et sénégalais. Venez nombreuses et nombreux et faites passer le programme de la journée aux personnes intéressées.

Programme en PDF :

Apprenons à écrire avec la lumière !

Nos ethnographies sont parsemées d’images : illustration, support d’analyse, redécouverte de l’objet.

Face à une certaine permanence d’images photographiques – à la fois temporelle, étant donné l’apparition simultanée et le dialogue continu entre l’anthropologie et la photographie à partir du 19e siècle ; et spatiale, dans le sens de l’usage, de la consommation et de la circulation généralisés de l’image – l’AHA souhaite se donner les moyens d’explorer la richesse de cet outil tant précieux à nos recherches.

Il s’agissait peut-être surtout de dépasser une certaine timidité, voire une réticence, à en faire usage, aux vues de nos faiblesses techniques ; mais aussi d’encourager le dépassement d’une certaine inertie intellectuelle, qui privilégie le manuscrit, qui considère peut-être l’image trop proche de la subjectivité, trop soucieuse de l’esthétique : Apprenons à écrire avec la lumière !

L’école d’été que l’AHA a organisée dans ce sens avec l’École supérieure des Arts de l’Image LE 75 – grand merci surtout à Philippe, Savvas et Emmanuel – reposait sur des réflexions engagées au cours de l’année académique précédente lors de conférences et de discussions avec des intervenants extérieurs. D’où la nécessité que ressentaient aussi les organisatrices d’accompagner cet apprentissage pratique et technique de réflexions plus méthodologiques et épistémologiques propres à notre discipline, telle la question de la représentation et de l’objectivisation – du ‘cliché’ – ou de l’approche collaborative.

Un jonglage entre expérimentation et réflexion, mais surtout, échange au-delà des frontières disciplinaires et prise de plaisir, voilà ce qu’on souhaitait solliciter. Et quelle réussite !

La première journée a débuté par une entrée en matière plutôt théorique grâce au cours-conférence d’Emmanuel d’Autreppe sur l’histoire de la photographie documentaire et de ses enjeux, en particulier autour du portrait de famille. Au gré des photos et commentaires avisés de notre conférencier nous est apparu un rapprochement évident entre le travail et les intentions des photographes (documentaires ou non) et des anthropologues notamment autour du questionnement sur le rapport à l’Autre – qu’il soit proche ou lointain – et sa représentation. Savvas et Philippe nous ont ensuite présenté la chambre photographique, appareil grand format imaginé au 19e siècle qui, faisant l’éloge de la lenteur et de la précision, peut certainement être perçu comme à contre-courant du numérique. Armés d’une chambre (quelque peu encombrante) par binôme, nous nous sommes lancés dans des prises de vue du côté de l’arrêt de métro Roodebeek, à la recherche du portrait ou du paysage urbain que nous souhaitions fixer sur nos plans-films. Nos mouvements millimétrés et notre mise à l’abri de la lumière sous le drap recouvrant la chambre malgré le temps caniculaire ont certainement beaucoup intrigué et amusé les passants, qui, pour certains, se sont même prêtés au jeu de la pose.

La matinée du deuxième jour fut consacrée à l’utilisation de nos appareils photos argentiques, chinés par certains, empruntés à un parent pour d’autres. Un film 24×36 noir et blanc a été distribué à chaque participant qui avait deux heures pour se perdre dans la photographie de rue au gré de ses rencontres et coups de cœur visuels. La théorie de la pratique du développement des films fut abordée dès notre pause repas où nous avons pu tenter, à l’aveugle, la mise en spirale d’un ancien négatif, avant que les plus courageux d’entre nous ne tentent le coup en chambre noire. La pratique du laboratoire a pu ensuite débuter toujours sous les explications précises et regards bienveillants de nos formateurs. Les apprentis chimistes-photographes se sont alors lancés dans des secouements bien rythmés des cuves contenant les spirales avec nos pellicules, enchainant bain de révélateur, d’arrêt et fixateur. L’ouverture des cuves a révélé nos trésors, chacun tenant dans les mains le premier résultat de son travail : le négatif. Après séchage, vint le moment tant attendu de notre expérimentation en chambre noire lors du troisième et dernier jour dédié au tirage. Enfilant nos plus beaux tabliers, nous avons pu découvrir les joies et galères des manipulations pour trouver les réglages (ouverture du diaphragme, temps d’exposition, masquages éventuels etc.) adéquats afin de produire la photo papier convenable.

Épuisée mais tellement fière, notre petite équipe a quitté Le 75 en emportant négatif, planche contact et photos, davantage d’expérience en argentique, mais surtout, le souvenir d’un échange entre photographes et étudiants de sciences sociales extrêmement enrichissant.

 

Noémie et Clémentine

Retour sur une présentation / projection : « One, Two, Three, Viva l’Algérie » – Réflexions sur un film « en train de se faire »

Ce mardi 4 décembre 2018, dans la pénombre de la salle AZ.1.101 du campus du Solbosch, nous avons eu l’occasion de découvrir le travail de Samuel Ab sur son film « One, Two, Three, Viva l’Algérie »,encore en montage, réalisé en co-production entre un collectif parisien et une co-prod en Algérie. La séance était l’opportunité de plonger dans les enjeux complexes sous-jacents au montage du cinéma documentaire tels que la narration, la construction de personnages, l’écriture de la voix off ou le positionnement du réalisateur face à son sujet… des enjeux qui font écho à la démarche de l’anthropologue.

Pour ouvrir la séance, Samuel est revenu sur la genèse de son projet. Ce dernier débute il y 8 ans, dans le cadre de ses études à la fac et motivé par des origines familiales et des connaissances algériennes qui lui ont donné l’envie de découvrir ce pays dont il ne connaît que peu de choses en tant que Français. Durant un an et demi, le projet mûrit et Samuel prend la décision de retourner filmer au moment de la coupe du monde. En raison de problèmes de visas qui parviennent tardivement, il commence par filmer en France et ne filme que la fin de la coupe en Algérie. A la suite de quelques essais de montage personnels, le film devient une collaboration avec Amine, un monteur algérien. À partir d’un premier montage, des personnages sont réécris et ajoutés au film d’abord conçu sans la partie en cinéma direct avec personnages. Lors de la coupe du monde de 2018, Samuel retourne filmer en Algérie ainsi que la fin de la coupe en France.

Guidé en partie par une curiosité vis-à-vis du slogan « One, Two, Three, Viva l’Algérie », le propos du film est d’aborder au travers du jeu un portrait contemporain du pays et d’interroger son rapport avec la France. L’angle d’approche, par le foot, se veut une manière de traiter le sujet sans s’engager dans une documentation proprement historique ; néanmoins, la forme collective suscitée par le foot est l’opportunité d’évoquer des valeurs et des histoires. La volatilité du rapport à celui-ci et à son équipe est utilisée pour parler du rapport aux deux pays. Le choix est également motivé par l’affection de Samuel pour ses grands événements où les gens se côtoient et qui donnent lieu à des moments de communion, quelle que soit la passion pour le sport. Pourquoi ses héros ? Pourquoi ses symboles ? Pourquoi cela fonctionne ? Samuel explique que ces questions, qui ont guidé ses premières images en 2010, reviennent progressivement dans le film après quelques détours.

Dans la suite de la présentation et dans la discussion qui suit, différents enjeux sont mis en évidence.

Une première difficulté du montage réside dans l’articulation des différents types d’images dont les provenances sont variées – images tournées par Samuel et Amine, mais aussi des images issues de documents historiques ou empruntées sur des plateformes telles que Youtube – et deux régimes de narration : des séquences où le montage articule de telles images et un « cinéma direct » plus spontané comme les séquences présentant des moments de vie mêlés d’interviews. Prises en France autant qu’en Algérie, la façon de passer d’un pays à l’autre est aussi interrogée, mais pour le réalisateur, les images s’exposent dans une logique qui n’est pas nécessairement géographique.

Une autre difficulté concerne la voix off dont nous avions déjà évoqué plusieurs enjeux l’année dernière dans le cadre du cycle de projection. Si son rôle dans la nécessité de donner sens au contenu est souvent discuté, il se pose également la question de son identité. Dans le projet de Samuel, la voix off est d’abord imaginée en collaboration avec un slamer puis comme une voix féminine pour devenir finalement sa propre voix : l’enjeu est alors de créer un personnage narrateur, sans que celui-ci ne soit présent pour raconter sa vie, mais dont l’identité restitue pourtant le chemin et le positionnement du réalisateur auquel le projet a fait découvrir l’Algérie. Ce positionnement qui ne va pas de soi. Samuel est français et son entreprise pose d’emblée des questions de légitimité. Son rapport aux pays évolue aussi depuis son premier voyage en 2010 où il découvre le pays. Le film est un apprentissage et son regard porté sur l’Algérie devient en retour aussi un regard porté sur la France.

Absents au début du projet, des personnages sont introduits tardivement. En plus du personnage de Samuel qui émerge progressivement au travers de la voix off, cinq personnages ont été choisis. Ces personnages ont pour point commun d’avoir un rapport avec le foot tout en ayant un pied en dehors. Samuel évoque aussi la construction du « personnage collectif » (spectateurs face aux matchs où lors des célébrations) dans le cadre du montage.

En conclusion de sa présentation, écourtée pour laisser place à la discussion, Samuel compare le montage du film avec la sculpture : d’une première forme grossière, la forme finale est affinée progressivement. D’autres questions se posent, notamment celle du public visé par le film. Samuel aimerait projeter son film en France ainsi qu’en Algérie. L’enjeu est alors de construire quelque chose qui puisse être compréhensible et puisse faire sens dans les deux pays. Le problème est spécialement difficile pour la séquence durant laquelle Samuel et Amine insèrent des images issues de documents historiques. Ces images et ces événements, biens connus en Algérie, ne sont pas connus ni enseignés en France.

La dernière réflexion sur le public ciblé par le film est aussi l’occasion de revenir sur les questions d’intentions. Comment trouver ce qui est essentiel au film ? A qui ou à quoi donner plus d’importance ? Qu’est-ce qui pourra intéresser le public au-delà des deux réalisateurs ? Motivées par l’envie de partir pour découvrir, de filmer et de raconter quelques histoires, les questions de la démarche et du public viennent en cours de route, engendrées par un mûrissement progressif du projet, mais aussi par d’autres impératifs : la nécessité de finaliser un projet qui s’étale déjà sur 8 ans, de faire voir les images et de rapporter un peu d’argent.

Dans la discussion, c’est l’occasion pour Madeleine de revenir sur les enseignements de son master en sociologie visuelle. Le propos naît du montage et la problématique se construit 3X : avant de filmer, une fois qu’on se retrouve avec autre chose devant les yeux que ce qui était prévu, et ensuite pendant le montage lorsqu’on se rend compte des impératifs liés au public, de la nécessité d’introduire des personnages, etc. Pour Madeleine, les extraits montrés par Samuel révèlent encore beaucoup d’intentions. Elle rapproche cela de son travail de thèse. Dans un tel travail, comme dans la conception d’un documentaire, il faut faire simple alors que la réalité, elle, est compliquée.

La présentation de Samuel est plus largement l’occasion de saisir une nouvelle fois les parallèles entre la démarche de recherche en sciences sociales et celle du cinéma documentaire. La construction d’un objet de recherche, de personnages, la construction progressive de la problématique, la collecte d’un matériel qui déborde de toute part, la simplification des faits et la place occupée par le·la réalisateur·trice – chercheur·euse font partie intégrante des enjeux tant du montage cinématographique ou que de la rédaction du travail scientifique. Des points d’attache pour « faire et défaire » des pratiques de créations communes ?

« One, Two, Three, Viva l’Algérie » – Réflexions sur un film “en train de se faire” – Projection/Discussion du 4.12.2018

Dans le cadre du cycle FAIRE ET DÉFAIRE LE CINÉMA SOCIO-ANTHROPOLOGIQUE, le collectif AHA présente l’événement :

« One, Two, Three, Viva l’Algérie »
/ Réflexions sur un film “en train de se faire”.

PRÉSENTATION DE LA SOIRÉE:
Samuel Ab – documentariste – propose un temps d’échange à partir du film « One, Two, Three, Viva l’Algérie » en cours de montage. Ce long-métrage documentaire dresse un portrait de l’Algérie contemporaine, et de sa relation avec la France, à travers le prisme du football et de sa participation aux dernières Coupes du Monde.
Le film articule différents régimes de narration – cinéma direct et expérimental – et travaille en partie avec l’hybridation des images. (Tournage de 2010 à 2018, archives télévisuelles, extraits de films, Youtube, téléphone portable..).

SYNOPSIS DU FILM:
2009. Des dizaines de milliers de personnes courent, hurlent et klaxonnent à Paris. Une émeute ? Non, l’Algérie vient de se qualifier pour la Coupe du Monde. « One, two, Three, Viva l’Algérie !» : ils sont fiers de leur équipe, fiers d’être algériens, fiers d’exister aux yeux du monde, et plus particulièrement en France.
Omniprésente ici, l’Algérie souffre pourtant d’une lourde absence de représentations. Derrière un éphémère phénomène sportif se révèlent les turbulentes relations entre les deux pays ainsi que les profondes questions de l’identité, de la mémoire et du roman national.
2018. L’histoire se rejoue, les drapeaux algériens sont toujours là, mais cette fois-ci c’est la France qui est sacrée championne du monde. Entre les deux pays, les portraits croisés de cinq spectateurs reflètent la fragilité d’une (re)construction individuelle et collective. L’écriture au présent d’une histoire commune.

LE RÉALISATEUR:
Samuel Ab est technicien audiovisuel, réalisateur indépendant et membre actif de la coopérative audiovisuelle Synaps. Son travail documentaire emprunte à l’anthropologie visuelle et au cinéma politique.

Bande annonce: https://vimeo.com/154880056

L’entrée est libre




Faire et Défaire #7 : Projection du documentaire “Les forêts sombres”, en présence du réalisateur Stéphane Breton

Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection « Faire et Défaire » mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

 

La septième et dernière séance du cycle de projection se tiendra le mercredi 27 juin, de 18h à 20h à la salle AZ1 101. On aura le plaisir de visionner le dernier documentaire du célèbre réalisateur français Séphane BretonLes forêts sombres, sélectionné et promu à l’occasion du renommé festival du Cinéma du réel (Paris, 2015).

Synopsis:

Au bout de la route, il y a un chemin, le dernier, un chemin envahi par la boue sibérienne en automne, et au bout de ce chemin, une immense forêt obscure protégeant pudiquement ceux qui ont gagné leur dernier refuge auprès d’elle, dans des hameaux qui s’effilochent tous les jours et que rongent le malheur et l’alcool. Il faut aller le plus loin possible, être prêt à tomber dans le fossé, pour voir ce qui fait de nous des hommes.

 

Le réalisateur: 

Stéphane Breton est un cinéaste et anthropologue de l’EHESS qui s’est démarqué suite à son premier film, “Eux et moi”, réalisé sur son terrain en Nouvelle Guinée, en 2001, et devenu un classique incontournable du cinéma socio-anthropologique. Depuis, le réalisateur a multiplié ses productions visuelles, prenant petit à petit de l’autonomie vis-à-vis du monde scientifique et de la liberté dans sa démarche créative.

L’entrée est libre

Bande d’annonce: https://vimeo.com/ondemand/lesforetssombres/143894528

A bientôt !

Retours sur la conférence du photographe et anthropologue Christian Vium

Parce que les blagues plus courtes sont les meilleures, AHA vous propose un bref feedback d’un de nos derniers événements. C’est moi, Madeleine, qui prend la plume, que j’ai voulu légère.

Alors voilà.

Le 14 mai 2018, l’anthropologue et photographe Christian Vium nous a fait l’honneur de se déplacer à Bruxelles, depuis l’Université d’Aarhus, pour un exposé organisé dans le cadre du cycle de conférence en anthropologie du LAMC.

Hé bon, c’était super.

Avec Noémie Marcus, on avait regardé son travail sur son site (christianvium.com), et on avait plein de questions.

On se demandait quelle valeur était accordée à l’esthétique au moment de produire une narration visuelle sur le réel et est-ce que cette démarche était avouée dès le départ. Parce que, qu’est-ce que le beau ? La recherche d’esthétique faisait-elle disparaître certains aspects de la réalité sociale (plus facilement conceptualisable par écrit), où permettait-elle au contraire d’ouvrir des registres de connaissances alternatifs sur nos terrains (émotionnel et politique, par exemple).

Malgré la volonté de Christian Vium de déconstruire l’imaginaire photographique empreint de colonialisme, on craignait les glissades sur la pente de l’exotisation, conséquences de la réification esthétique d’une personne par son portrait. Après tout, ne parle-t-on pas de « cliché » ? Une image arrêtée, fixe et soumise au dispositif photographique qui, dans une démarche anthropologique, rappelle les biais allochroniques et fixistes, passant à côté de l’aspect dynamique et mouvant de la réalité sociale.

Bon, et puis, il y avait aussi la relation du photographe avec les gens qu’il rencontrait. Comment il négociait sa place et, surtout, son appareil photo. Il devait bien exister des contextes où la photo était une pratique plus naturelle (parce qu’associée au journalisme ou au tourisme, par exemple) et d’autres où, au contraire, la photo était plus délicate.

On n’est pas restées sur notre faim.

Christian Vium a anticipé chacune de nos questions en s’attachant à nous démontrer l’intérêt heuristique de sa pratique photographique sur le terrain. Sa série « Encounters », impliquant images d’archives, photos de familles des gens qu’il rencontrait, et ses propres shootings a permis de mettre en évidence qu’un projet photo, c’est finalement un prétexte à interpellation comme un autre, un catalyseur, qui délie les langues, mais pas que.

 © Cristian Vium

Placé dans une perspective diachronique, les séries de photos qui ont été présentées rendent incontournable la question coloniale. Par sa démarche collaborative (laissant le choix aux personnes finalement photographiées de décider de leurs poses, de leurs mises en scène ou des scènes quotidiennes qu’elles souhaitent immortaliser), le photographe et anthropologue déconstruit l’idée de passivité et de soumission des individus face au dispositif photographique. Il insiste sur leur agency, leur appropriation de l’histoire et du média, les jeux narcissiques, les interdits tacites et, par l’usage du portrait filmé, dévoile les coulisses de l’acte de photographier.

Tout ce processus, dont l’intérêt permet de se créer de la légitimité et de désamorcer les critiques vis-à-vis du potentiel déséquilibre utilitariste de la relation photographe/photographié, demeure toutefois invisible à la vue de la photo seule et passera toutefois par l’écrit ou la parole, nécessitant donc un accompagnement des photos pour que l’aspect collaboratif soit explicite. Avec beaucoup de lucidité, Christian Vium a fait preuve d’une analyse réflexive surprenante à cet égard, concédant ainsi les limites conceptuelles du visuel dans une démarche socio-anthropologique.

Cette réflexivité l’a d’ailleurs amené à questionner sa place d’homme blanc et l’asymétrie que provoque l’appareil photo et la situation d’entretien sur le terrain, ce qui outrepasse évidemment le cadre précis de la démarche photographique, renvoyant ainsi à des questionnements plus généraux sur la légitimité et la place des anthropologues en des terrains (post-)coloniaux.

Quant à l’esthétique, on conçoit aisément comment des questions éthiques (d’anonymat notamment) et pratiques ont influencé certains choix de flou et de noir et blanc pour sa série « The departed », sur le voyage entrepris par des migrants d’Afrique de l’ouest en route vers l’Europe et ce, sans compter l’aspect émotionnel (angoisse, drame) et narratif (le mouvement, la transformation personnelle). Il était toutefois intéressant de discuter comment Christian Vium s’est retrouvé piégé dans une certaine forme esthétique, supposée servir le fond, dans la quête de distinction face à la déferlante journalistique et comment l’accusation de subjectivité artistique soulève la question de la sémantique photographique. Après tout, une photo est-elle plus objective si elle est « réaliste » ?

© Cristian Vium

Parmi tant d’autres sujets abordés, on retiendra également l’importance de l’édition, de l’agencement des photos et de la mise en place des expositions, qui jouent un rôle crucial dans la narration et le sens que les images prennent. Au contraire des publications scientifiques, les productions visuelles sont par ailleurs plus enclines à la diffusion à un plus large public, suscitant ainsi des discussions et débats susceptibles de faire resurgir de nombreux questionnements épistémologiques et méthodologiques propres aux sciences sociales.

Car, si la photographie propose un regard sur le réel différent par rapport à l’approche socio-anthropologique classique, avec ses limites, ses obstacles et ses plus-values, elle permet malgré tout, par les points de convergence où ces deux démarches se rencontrent, d’interroger de manière originale les bases sur lesquelles repose l’analyse du monde social.

Christian Vium cherchait une liberté narrative difficilement concédée dans les revues scientifiques classiques, osant passer le pas du surréalisme, particulièrement appréciable dans l’édition et l’exposition de sa série « Ville nomade ». Il embrasse ainsi le lâcher prise vis-à-vis de l’interprétation de ses photos par le public, renonce au pouvoir argumentatif de l’écrit, pour se concentrer sur le plaisir procuré par le laisser-aller créatif et la reconnaissance de la plasticité potentielle de nos terrains d’étude.

© Cristian Vium

Finalement, avec l’AHA, c’est tout ça qu’on recherche. Expérimenter, prendre du plaisir, s’ouvrir des portes et des fenêtres et affronter les courants d’air. Attention, le petit oiseau va sortir.

Faire et Défaire #6 : Burning Out, par Jérôme le Maire

Le cinéma documentaire regorge d’initiatives, de pistes, de victoires et d’enjeux hybrides. Il ouvre des perspectives analytiques sensibles, des ethnographies immersives et des préoccupations narratives alternatives.

Dans ce cadre, l’AHA s’est attaché à vous faire découvrir une petite série de films socio-anthropologiques. Cette première année du cycle de projection « Faire et Défaire » mettra particulièrement à l’honneur des productions belges et situera au centre de ses préoccupations les formes et modalités de collaborations entre le monde de la recherche en sciences sociales et celui des arts visuels. Chacune des séances sera en effet accompagnée des réalisateur.trice.s, ainsi que d’un.e discutant.e.

La sixième séance du cycle de projection se tiendra le mardi 29 mai, de 18h à 20h à la salle NB2VIS. On aura le plaisir de visionner le documentaire du célèbre réalisateur belge Jérôme le Maire, Burning Out, sélectionné et promu à l’occasion de multiples festivals tels que le festivals de Docville (2017), l’IDFA Compétition (2016), Visions du Réel (2017), Millenium (2017), et bien d’autres.

Synopsis:

Pendant 2 ans, le réalisateur belge Jérôme le Maire a suivi les membres de l’unité chirurgicale dans l’un des plus grands hôpitaux de Paris. Ce bloc opératoire ultraperformant fonctionne à flux tendu : 14 salles en ligne ayant pour objectif de pratiquer chacune huit à dix interventions par jour. L’organisation du travail, bien qu’extrêmement sophistiquée, est devenue pathogène. Le personnel médical et paramédical courbe l’échine. Stress chronique, burn-out, et risques psychosociaux gangrènent l’hôpital. Chirurgiens, anesthésistes, infirmiers et aides soignants, mais aussi cadres, gestionnaires, et directeurs sont pris dans une course effrénée qui semble sans fin. Consciente de ce problème, l’administration a commandé un audit sur l’organisation du travail afin de tenter de désamorcer le début d’incendie. « BURNING OUT » est une plongée au cœur du travail et de ses excès, quand il y a surchauffe et que l’embrasement menace. Il veut comprendre l’incendie contemporain, ce trouble miroir de notre société, qui affecte celle-ci jusque dans ses hôpitaux.

L’entrée est libre

Bande d’annonce: http://www.burning-out-film.com/?lang=fr

A bientôt !